FEATURED ARTISTS
Andy Warhol
AMERICANO, 1928–1987
Conocido por su cultivo de celebridades, Factory Studio (un crisol social y creativo radical) y películas de vanguardia como Chelsea Girls (1966), Warhol también fue mentor de artistas como Keith Haring y JeanMichel Basquiat. Su sensibilidad pop es ahora una práctica estándar, adoptada por los principales artistas contemporáneos Richard Prince, Takashi Murakami y Jeff Koons, entre muchos otros.
Jean-Michel Basquiat
AMERICANO, 1960–1988
Jean-Michel Basquiat, poeta, músico y prodigio del graffiti en Nueva York a finales de la década de 1970, había perfeccionado su característico estilo pictórico de garabatos obsesivos, símbolos y diagramas esquivos e imágenes de máscaras y calaveras cuando tenía 20 años. No pienso en el arte mientras trabajo”, dijo.
Una vez dicho. “Pienso en la vida”. Basquiat extrajo sus temas de su propia herencia caribeña (su padre era haitiano y su madre de ascendencia puertorriqueña) y de una convergencia de historias culturales afroamericanas, africanas y aztecas con temas clásicos y héroes contemporáneos como atletas y músicos.
Damien Hirst
BRITÁNICO, N. 1965
Damien Hirst llamó la atención del público por primera vez en Londres en 1988 cuando concibió y fue curador de “Freeze”, una exposición en un almacén en desuso que mostraba su trabajo y el de sus amigos y compañeros de estudios en Goldsmiths College. En el casi cuarto de siglo transcurrido desde
En ese espectáculo fundamental (que definiría a los Jóvenes Artistas Británicos), Hirst se ha convertido en uno de los artistas más influyentes de su generación.
Alexander Calder
AMERICANO, 1898–1976
El artista estadounidense Alexander Calder cambió el curso del arte moderno al desarrollar un método innovador de esculpir, doblar y torcer alambre para crear “dibujos en el espacio” tridimensionales. En resonancia con los futuristas y constructivistas, así como con el lenguaje de la pintura no objetiva temprana, los móviles de Calder (un término acuñado por Marcel Duchamp en 1931 para describir su trabajo) consisten en formas abstractas hechas de materiales industriales, a menudo poéticas y elegantemente formadas y al mismo tiempo veces de colores audaces, que cuelgan en un equilibrio asombroso y perfecto.
Keith Haring
AMERICANO, 1958–1990
Cerrando la brecha entre el mundo del arte y la calle, Keith Haring saltó a la fama a principios de la década de 1980 con sus grafitis realizados en el metro y en las aceras de la ciudad de Nueva York. Combinando el atractivo de los dibujos animados con la energía cruda de artistas de Art Brut como Jean DuBuffet, Haring desarrolló una estética pop-graffiti distintiva centrada en contornos fluidos y atrevidos contra una densa y rítmica extensión de imágenes como la de bebés, perros ladrando, platillos voladores, corazones y Mickey Mouse. En sus dibujos y murales del metro, Haring exploró temas de explotación, subyugación, abuso de drogas y temores crecientes de un holocausto nuclear, que se volvieron cada vez más apocalípticos después de su diagnóstico de SIDA. Junto a Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf y Jenny Holzer, Haring es considerado una figura destacada de la escena artística del East Village de Nueva York en las décadas de 1970 y 1980.
Barbara Kruger
AMERICANO, N. 1945
Mejor conocida por colocar eslóganes agresivamente directivos sobre fotografías en blanco y negro que encuentra en revistas, Barbara Kruger desarrolló un lenguaje visual que estuvo fuertemente influenciado por sus primeros trabajos como diseñadora gráfica (en revistas como House and Garden, Mademoiselle y Aperture). ). Entre sus piezas más famosas se encuentran Compro, luego existo (1987) y Tu cuerpo es un campo de batalla (1985). Informada por el feminismo, la obra de Kruger critica el consumismo y el deseo, y ha aparecido en vallas publicitarias, tarjetas de autobús, carteles y en parques públicos, andenes de estaciones de tren y otros espacios públicos. También ha creado instalaciones específicas compuestas de vídeo, cine, audio y proyección.
Takashi Murakami
JAPONÉS, N. 1962
Uno de los artistas más aclamados que surgieron del Asia de posguerra, Takashi Murakami, “el Warhol de Japón”, es conocido por su síntesis pop contemporánea de bellas artes y cultura popular, en particular su uso de un estilo de dibujos animados de anime y manga audazmente gráfico y colorido. . Murakami se hizo famoso en los años 90 por su teoría del “Superplano” y por organizar la paradigmática exposición de ese título, que vinculaba los orígenes del japonés contemporáneo.
cultura visual al arte histórico japonés. Su producción incluye pinturas, esculturas, dibujos, animaciones y colaboraciones con marcas como Louis Vuitton. “Los japoneses aceptan que el arte y el comercio se fusionarán; y, de hecho, les sorprende la rígida y pretenciosa jerarquía occidental del “arte elevado”, dice Murakami. “En Occidente, ciertamente es peligroso mezclar los dos porque la gente tirará todo tipo de piedras. Pero está bien, estoy listo con mi casco”.
David LaChapelle
AMERICANO, N. 1963
Descubierto por Andy Warhol a la edad de 17 años, David LaChapelle comenzó a trabajar para la revista Interview en el umbral de su prolífica carrera. Pronto será conocido por sus representaciones hiperrealistas y claramente saturadas de la cultura de las celebridades (Paris Hilton, Muhammad Ali, Britney Spears, Madonna y Tupac Shakur figuran entre sus sujetos), los primeros trabajos de LaChapelle exploraron temas de mortalidad y trascendencia a través de bellas artes, negro. Fotografía en blanco y negro. Después de un tremendo éxito en la fotografía comercial, los vídeos musicales y el cine, LaChapelle ha regresado a la galería donde comenzó. Su trabajo actual explora los temas metafísicos de sus primeros trabajos, haciendo referencia a la historia del arte y la iconografía religiosa para hacer comentarios profundos sobre el mundo contemporáneo. “Reintroduzco mis ideas personales sobre la transfiguración, la recuperación del paraíso y la noción de vida después de la muerte”, dice el artista, que ahora considera su hogar una granja remota en la jungla hawaiana.
Pablo Picasso
ESPAÑOL, 1881–1973
Pablo Picasso, un prolífico e incansable innovador de las formas artísticas, impactó el curso del arte del siglo XX con una magnitud incomparable. Inspirado por el arte africano e ibérico y los avances en el mundo que lo rodeaba, Picasso contribuyó significativamente a una serie de movimientos artísticos, en particular el cubismo, el surrealismo, el neoclasicismo y el expresionismo. Junto con Georges Braque, Picasso es mejor conocido por ser pionero del cubismo en un intento de reconciliar el espacio tridimensional con el plano pictórico bidimensional, y una vez preguntó: "¿Debemos pintar lo que hay en la cara, lo que hay dentro de la cara o lo que hay detrás?". ¿él?" En respuesta a la Guerra Civil española, pintó su obra más famosa, Guernica (1937), cuyas violentas imágenes de figuras angustiadas representadas en grisalla la convirtieron en una obra definitiva de arte pacifista. “La pintura no está hecha para decorar apartamentos”, afirmó. "Es un arma ofensiva y defensiva contra el enemigo". La importante obra de Picasso incluye más de 20.000 pinturas, grabados, dibujos, esculturas, cerámicas, decorados teatrales y diseños de vestuario.
Banksy
BRITÁNICO
Ya sea recubriendo ciudades con su característica rata que se lanza en paracaídas, pintando aberturas imaginarias en la barrera de Cisjordania en Israel o estampando "Estamos aburridos de los peces" sobre el recinto de un zoológico de pingüinos, Banksy crea arte callejero con un ingenio irreverente y una reputación internacional que precede a su identidad anónima. "La televisión ha hecho que ir al teatro parezca inútil, la fotografía prácticamente ha matado a la pintura", dice, "pero el graffiti se ha mantenido gloriosamente intacto por el progreso". Banksy ha ganado notoriedad a través de una variedad de intervenciones urbanas, desde modificar los letreros de las calles e imprimir su propia moneda hasta colgar ilegalmente sus propias obras en instituciones como el Louvre y el Museo de Arte Moderno. Utilizando generalmente pintura en aerosol y plantillas, Banksy ha creado un estilo gráfico característico e inmediatamente identificable (y un elenco recurrente de policías, soldados, niños y celebridades) a través del cual examina críticamente cuestiones contemporáneas como el consumismo, la autoridad política, el terrorismo y la Estado del arte y su exhibición.
Richard Prince
AMERICANO, N. 1949
Aunque la frase “los buenos artistas piden prestado, los grandes artistas roban” se atribuye tradicionalmente a Pablo Picasso, bien podría ser el lema de Richard Prince. Prince extrae imágenes de los medios de comunicación para redefinir los conceptos de propiedad y autoría, una práctica que concibió mientras trabajaba en el departamento de hojas impresas de Time-Life. En su serie “Cowboys”, por ejemplo, iniciada a principios de la década de 1980, volvió a fotografiar anuncios de Marlboro, recortando texto para generar primeros planos de figuras míticas de vaqueros. Sus obras “Enfermera”, expuestas por primera vez en 2003, se produjeron escaneando las portadas de libros de bolsillo, transfiriéndolas a lienzos y pintando sobre las impresiones. Prince, un ávido coleccionista de subculturas estadounidenses, también ha centrado su atención en las chicas moteras, los chistes de Borscht Belt y los lienzos de Willem de Kooning. "Ahora no veo ninguna diferencia entre lo que colecciono y lo que hago", dice. "Se ha vuelto lo mismo".
Andreas Gursky
ALEMÁN, N. 1955
En sus resplandecientes fotografías a gran escala, Andreas Gursky captura el mundo moderno y sus paisajes, gente, arquitectura e industrias con un detalle seductor. Tomadas desde una perspectiva elevada y producidas a una escala épica, las imágenes de Gursky muestran lo individual o granular (productos de supermercado, jugadores de fútbol, ventanas de un edificio o islas en el mar) subsumido por las masas o el medio ambiente. Influido por sus estudios con Bernd y Hilla Becher, Gursky compone rigurosamente sus amplias vistas para envolver a los espectadores con una escala, un detalle y un color vertiginosos, efectos que a menudo realza mediante la manipulación digital. “Al final decidí digitalizar las fotografías y omitir los elementos que me molestaban”, dijo sobre sus fotografías de “Rin” (1999), una de las cuales estableció a finales de 2011 el récord del precio más alto jamás pagado por una fotografía en subasta. Gursky guarda una estrecha comparación con otros miembros de la Escuela de Dusseldorf, en particular Thomas Struth, Axel Hütte y Candida Höfer.
Yayoi Kusama
JAPONÉS, N. 1929
La artista japonesa de vanguardia Yayoi Kusama fue una figura influyente en la escena artística neoyorquina de posguerra, organizando acontecimientos provocativos y exhibiendo obras como sus “Infinity Nets”, pinturas alucinatorias de bucles y puntos (y representaciones físicas de la idea del infinito). Narcissus Garden, una instalación de cientos de bolas de espejos, le valió a Kusama notoriedad en la Bienal de Venecia de 1966, donde intentó vender las esferas individuales a los transeúntes. Kusama contaba con Donald Judd y Eva Hesse entre sus amigos cercanos y, a menudo, se la considera una influencia en Andy Warhol y una precursora del arte pop. Desde su regreso a Japón en la década de 1970, el trabajo de Kusama ha seguido apelando a la imaginación y los sentidos, incluidas vertiginosas instalaciones sin cita previa, esculturas públicas y las pinturas "Dots Obsessions".
Christopher Wool
AMERICANO, N. 1955
Christopher Wool, que se hizo un nombre en la escena artística de Nueva York a principios de la década de 1980, es mejor conocido por sus pinturas con palabras, paneles de aluminio blanco con letras negras estarcidas que deletrean textos como “Vende la casa, vende el auto, vende a los niños” (en su obra de 1998 Apocalypse Now). En otro grupo de sus primeras pinturas, Wool utilizó rodillos comerciales para aplicar efectos decorativos en paneles de aluminio, y ha seguido explorando patrones en su arte. Al incorporar medios y técnicas que incluyen fotografía, serigrafía, reproducción, sobrepintura y borrado, el trabajo de Wool a menudo combina marcas humanas y mecánicas, como en sus pinturas en las que difumina líneas negras dibujadas con una pistola rociadora en campos grises.
Tracey Emin
BRITÁNICO, N. 1963
Emin, miembro destacado de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA), trabaja en una amplia gama de medios, que incluyen cine, pintura, neón, bordado, dibujo, instalación y escultura. Su trabajo es intensamente personal y revela detalles íntimos de su vida con una honestidad brutal y un humor poético. Ha hablado del “narcisismo detrás de lo que hago (el yo, el yo, el yo) y lo difícil que me resulta realmente compartir cosas, aunque creo que estoy compartiendo todo el tiempo”. Este enfoque paradójico, a la vez audaz y confesional, narcisista y autocrítico, le valió a Emin una nominación para el Premio Turner en 1999. Aunque no ganó, Emin recibió importantes elogios por su instalación titulada My Bed, que presentaba la cama deshecha del artista rodeada de artículos personales (desde pantuflas hasta botellas de licor vacías, colillas de cigarrillos y condones), explorando las cualidades alegóricas de una cama como lugar de nacimiento, sexo y muerte.
George Condo
AMERICANO, N. 1957
La obra de George Condo está poblada por un elenco de personajes cuyos ojos saltones, mejillas bulbosas, extremidades proliferantes y horribles mordidas superiores e inferiores los distinguen como una especie singular. Basándose en prácticas pictóricas muy diversas, como Pablo Picasso, Diego Velázquez, Henri Matisse y Cy Twombly, Condo absorbe una amplia gama de fuentes histórico-artísticas y, al mismo tiempo, crea un lenguaje pictórico característicamente suyo, uno que
investiga lo macabro, lo carnavalesco y lo abyecto. Él llama a su estilo surrealista “cubismo psicológico”, explotando “nuestras propias imperfecciones (los momentos privados, fuera de lo común o los aspectos invisibles de la humanidad) que a menudo dan paso a algunos de los momentos más bellos de la pintura”. Incluso las obras más abstractas de Condo, como Internal Space (2005), con su impenetrable andamiaje geométrico de formas que irradian desde el centro de la pintura, exploran los extremos más lejanos de la psique humana.
Roy Lichtenstein
AMERICANO, 1923–1997
Cuando el artista pop estadounidense Roy Lichtenstein pintó Look Mickey en 1961, marcó el tono de su carrera. Este retrato en colores primarios del ratón de dibujos animados introdujo el estilo imparcial e inexpresivo de Lichtenstein en una época en la que reinaba el expresionismo abstracto introspectivo. Al extraer material de anuncios, cómics y lo cotidiano, Lichtenstein llevó a la galería lo que entonces era un gran tabú: el arte comercial. Hizo hincapié en la artificialidad de sus imágenes pintándolas como si provinieran de una prensa comercial, con los puntos Ben-Day planos y de un solo color del periódico meticulosamente representados a mano usando pintura y plantillas. Más adelante en su carrera, Lichtenstein amplió su material de referencia a la historia del arte, incluida la obra de Claude Monet y Pablo Picasso, y experimentó con obras tridimensionales. El uso que hace Lichtenstein de imágenes apropiadas ha influido en artistas como Richard Prince, Jeff Koons y Raymond Pettibon.
KAWS
AMERICANO, N. 1974
KAWS es un artista multifacético que abarca los mundos del arte y el diseño en su prolífica obra que abarca desde pinturas, murales y esculturas a gran escala hasta diseño de productos y fabricación de juguetes. Su icónica firma “XX” tiene sus raíces en el comienzo de su carrera como artista callejero en la década de 1990, cuando comenzó a alterar anuncios encontrados incorporando sus propias pinturas magistrales. Evocando la sensibilidad de artistas pop como Andy Warhol y Claes Oldenburg, KAWS posee un humor sofisticado y una interacción reflexiva con productos de consumo y colaboraciones con marcas globales. A menudo se inspira y se apropia de animaciones de la cultura popular para formar un vocabulario artístico único y un elenco influyente de personajes híbridos de dibujos animados y humanos.
Gerhard Richter
ALEMÁN, N. 1932
Gerhard Richter es conocido por una exploración prolífica y estilísticamente variada del medio de la pintura, a menudo incorporando y explorando los efectos visuales de la fotografía. “Me gusta todo lo que no tiene estilo: los diccionarios, las fotografías, la naturaleza, yo y mis pinturas”, afirma. "Porque el estilo es violento y yo no soy violento". A principios de la década de 1960, Richter comenzó a crear copias fotorrealistas a gran escala de fotografías en blanco y negro representadas en una gama de grises, e innovó un efecto borroso (a veces considerado "impresionismo fotográfico") en el que partes de sus composiciones aparecen manchadas o suavizado, reproduciendo paradójicamente efectos fotográficos y revelando su mano pictórica. Con monocromos grises abstractos de gran textura, Richter introdujo la abstracción en su práctica y ha seguido moviéndose libremente entre la figuración y la abstracción, produciendo “cartas de colores” geométricas, abstracciones audaces y gestuales y “pinturas fotográficas” de cualquier cosa, desde desnudos, flores, y automóviles hasta paisajes, arquitectura y escenas de la historia nazi. Richter absorbió una variedad de influencias, desde Caspar David Friedrich y Roy Lichtenstein hasta Art Informel y Fluxus.
Manolo Ballesteros
ESPAÑOL, N. 1965
Los trazos de Manolo Ballesteros realizados a través de sutiles pinceladas, crean formas geométricas que poco a poco se van apoderando del lienzo, originando formas caprichosas. En ocasiones, estas composiciones geométricas son el resultado de la combinación de planos de color. El uso del color suaviza la frialdad que parecen poseer estas composiciones por defecto. Su arte es intuitivo, espontáneo y sin mensaje implícito donde su creación habla por sí sola. Durante los últimos años su obra ha experimentado en el campo de la abstracción, jugando con la complejidad geométrica a través de la uniformidad de los pigmentos y la reducción de los perfiles. Fruto de estas investigaciones, su obra más reciente es un reflejo de la convergencia de formas redondeadas sobre un fondo monocromático donde el espectador se sumerge en un arte enérgico y dinámico.
