ARTISTAS EMERGENTES
Lidia Masllorens
ESPAÑOLA, N. 1967
El objetivo de Lídia Masllorens es crear el retrato arquetípico y contemporáneo. Sus obras grandes y confrontativas irradian una fuerte presencia y exigen atención. Rezuman dinamismo y una notable vitalidad. Notable en parte porque estas obras están realizadas sobre papel, utilizando una técnica sustractiva, en lugar de aditiva. Los retratos están pintados con acrílico negro, que luego se retira y se lava con una mezcla de agua y lejía. Esta técnica permite la hermosa paleta de colores que distingue su trabajo; con tonalidades del rosa al blanco y del negro al gris. Los trazos de Lídia son agudos y rápidos, lo que provoca muchas pérdidas y fracasos si se combina con la naturaleza destructiva de la lejía y el comportamiento impredecible del agua.
Rubén Martín de Lucas
ESPAÑOL, N. 1977
En enero de 2015 inicia su carrera en solitario desarrollando una obra cuyo enfoque es “el paisaje y el comportamiento asociado¨. Estudiando temas como la progresiva reducción del espacio para la vida silvestre, la superpoblación en un planeta limitado, la naturaleza artificial de las fronteras, la naturaleza líquida del concepto de nación o la dicotomía entre agricultura industrial y agricultura natural.
Proyectos que configuran un discurso comprometido y crítico que nos anima a repensar nuestra relación con el territorio.
Viani
ITALIANO/ESPAÑOL, N. 1982
Viani es un artista español/italiano criado en Venezuela. Viani huyó del país devastado por la crisis política y se estableció en Barcelona, España en 2002. España le permitió una autonomía ilimitada de expresión a través de la pintura. El arte de Viani es un fuerte grito de libertad y gestos liberadores. “El arte es la herramienta que me libera de las ideologías políticas”. Desata en él profundos sentimientos de libertad y felicidad. Su obra es profundamente emotiva y cada pincelada expresa una dicotomía amor-ira. Estos dos opuestos binarios se revelan y reconcilian maravillosamente con su sorprendente elección de color: blanco y negro. Sus gruesas pinceladas outrenoir caracterizan sus pinturas.
Iván Montaña
ESPAÑOL, N. 1975
Nace en el seno de una familia polifacética donde la cultura y el arte siempre han estado presentes a través de la literatura, la música, la escultura, la pintura y la moda.
Estudió en ELISAVA, Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona. A los 21 años realizó su primera actuación, “Conformista sin Reflejo”, y su primera exposición individual a los 23 años, “El Sol Español”, en 1998, desde entonces no ha dejado de exponer por todo el mundo. .
Rune Elmegaard
DANÉS, N.1980
Rune Elmegaard es artista y diseñadora de muebles. Cuando comenzó su carrera como creador, sus obras eran salvajes y expresionistas, pero hoy en día quiere establecer su propio y único estilo, a través de un motivo meditado que se inspira en la limpia y sencilla tradición del diseño danés. Dice: “Encuentro inspiración en mi camino y, a lo largo de una larga vida creativa, he almacenado muchas formas y colores diferentes en mi memoria. Mi ADN es la creatividad y tengo una mente que nunca se detiene ante nuevas ideas”.
Max Patté
BRITÁNICO, N. 1977
La práctica de Max Patté es, en esencia, una exploración de las infinitas cualidades de la luz y cómo se expresa en el mundo natural que se manifiesta en trabajos físicos en el estudio utilizando las tecnologías disponibles para él. Los avances en las tecnologías modernas son una fuente constante de inspiración para la producción de la obra de Patté. En su estudio se emplean diariamente los últimos avances en una variedad de software, aplicaciones para iPad, fresado CNC, escaneo digital e impresión 3D.
La luz, el color, el tono, la saturación y la calidez tienen un efecto directo en nuestro estado de ánimo, cambiando nuestras emociones tanto como nuestro entorno. A través del uso del color y la luz, la práctica de Patté, que abarca obras de luz, pintura y escultura, se esfuerza por emitir el mismo efecto. Patté pretende cambiar el espacio en el que se ve la obra y alterar la relación del espectador con ese espacio. De la misma manera que nuestro entorno natural inmediato provoca un cambio fisiológico, Patté pretende producir obras que ofrezcan una experiencia multisensorial que provoque una respuesta emocional.
Andrea Torres Balaguer
ESPAÑOLA, N. 1990
Andrea Torres crea cuadros que sugieren historias e invita al espectador a interpretarlas. Busca y experimenta con los límites entre realidad y ficción. Inspiradas en referencias a la teoría del psicoanálisis y al realismo mágico, sus imágenes experimentan con el subconsciente consciente.
Adam David Taylor
BRITÁNICO,N. 1979
Adam Taylor estudió Bellas Artes en la Escuela de Arte de Cardiff y se graduó en 2004. Se mudó a Pembrokeshire en 2012 y sus pinturas están en gran medida influenciadas por los paisajes costeros y accidentados que lo rodean.
El último trabajo de Adam se centra en el agua, los paisajes rurales y el encuentro de la tierra con el mar. Es una reacción a la costa occidental de Gales.
Trabaja principalmente al óleo, pero utiliza pintura de esmalte y varias texturas al inicio del proceso de pintura, lo que produce un trabajo final crudo y en capas.
Elena Gual
ESPAÑOLA, N. 1994
Elena Gual se formó como pintora clásica en la Academia de Arte de Florencia, seguida de prestigiosos cursos en Central Saint Martin's y la Royal Academy de Londres. Aunque Elena reside en Londres, todavía pasa mucho tiempo en Mallorca, donde también ha montado un estudio. El estudio, con sede en las Islas Baleares, la conecta con sus raíces mediterráneas, fuertemente implícitas en la luz y los colores de sus cuadros. Desde un dibujo al carboncillo, hasta trazos gruesos y expresivos sobre lienzo, aplicados con espátula. Elena encuentra una fuerte inspiración en las figuras femeninas con las que se encuentra mientras viaja por el mundo. Impulsada por resaltar la belleza única y natural del cuerpo y la cultura femeninos, crea retratos vívidos de mujeres muy diversas.
Toni Garau
ESPAÑOL, N. 1974
Toni Garau un conocido artista de Sóller que dio a conocer la industria textil de su pueblo y la revolución que supuso. Con su arte quiere homenajear a toda una generación de trabajadores (mujeres y hombres) que, con su esfuerzo y dedicación, hicieron del pueblo de Sóller una ciudad próspera y llena de esperanzas. La obra de Garau da vida a un material que estaba muerto.
Miguel Caravaca
ESPAÑOL, N. 1979
Miguel Caravaca representa realidades que surgen de sus reflexiones gracias a la observación y estudio del cuerpo humano, y especialmente, centrándose en el rostro y sus expresiones como espejo del alma humana. Su objetivo final es compartir con el público esta proyección de su mundo interior e invitar al espectador a iniciar su propio proceso de reflexión a través de una estética muy estudiada, donde el color y la forma son los principales transmisores de este lenguaje cercano y universal.
Los referentes estéticos del artista son la geometría abstracta, especialmente el cubismo -que inspira el uso de la línea, la importancia del pigmento y la composición- pero también el arte urbano, que le hace sentirse cómodo con los grandes formatos y los materiales que utiliza como el acrílico y marcadores de esmalte.
Isabelle Scheltjens
BELGA, N. 1981
Isabelle Scheltjens se interesó por el arte desde joven. Estudió en SISA, el Instituto de Artes y Oficios Decorativos de la ciudad de Amberes. El magnífico diseño en vidrio de su marido Dirk Neefs inspiró a Isabelle a trabajar con el mismo material. Le tomó años de intensa práctica y yuxtaposición de innumerables piezas de vidrio coloreado para refinar su método y dominar verdaderamente la teoría del color. Desarrolló una técnica única de fusión de vidrio, mediante la cual se funden piezas de vidrio de diferentes colores, tamaños y texturas a aproximadamente 800 °C. Las coloridas piezas de vidrio son como los puntos de pintura utilizados por los puntillistas: forman una imagen abstracta de cerca, pero un retrato dramático y preciso desde la distancia. Isabelle logra sorprendentes efectos ópticos con su técnica: captura la danza de la luz y el color de una manera que una fotografía la transforma en una escena en negro y blanco. Un retrato blanco o, a veces, colorido: el fascinante resultado de un proceso que depende de la capacidad perceptiva del ojo y la mente del espectador.
Sepideh Ilsley
PERSA, N. 1980
Sepideh Ilsley es una artista contemporánea autodidacta, inspirada por la simplicidad y la imperfección. Es persa, nació en 1980 en Shiraz, Irán, pero creció en Suecia. Después de pasar varios años viajando y viviendo por todo el mundo, ahora reside con su familia en Noosa, en Sunshine Coast en Queensland, Australia. La creatividad y el arte siempre han sido parte de su vida. Le encanta trabajar con Imperfecciones y siempre va donde la llevan la pintura y el pincel, creando formas escultóricas audaces, cambiando, superponiendo capas, rehaciendo, reelaborando. A menudo es ese paso en falso lo que hace que toda la pieza se una, como si la pintura tuviera voluntad propia.
Alberto Murillo
ESPAÑOL
Alberto Murillo es un pintor autodidacta, que comenzó su carrera como interiorista. Sus obras consisten en grandes campos de color realizados con colores vibrantes, que se inspiran en gran medida en su tierra natal, España y América Latina, por sus paisajes idílicos y ciudades vibrantes. Se identifica con el expresionismo abstracto y, aunque sus motivos han cambiado con el tiempo, su técnica siempre se mantuvo constante. Murillo vierte acrílico o una emulsión polimérica sobre la tabla, y luego la manipula, dice que “son pieles líquidas que se pueden tirar, empujar”. Finalmente, cubre la obra con una capa de resina. Las obras anteriores de los artistas eran en su mayoría abstractas, pero en sus obras más recientes también incluye íconos y productos de la cultura de consumo.
Manuela Karin Knaut
ALEMÁNA, N. 1970
La obra pictórica de Manuela Karin Knaut refleja el entusiasmo de la artista por viajar, el descubrimiento de nuevos terrenos y el inevitable abandono de su propia zona de confort. La realidad a menudo dura de las calles de Johannesburgo, la vida inesperadamente caótica y desordenada a los ojos alemanes en los townships, la variedad colorida en las estrechas callejuelas de Accra, las paredes rotas y sin pintar, los graffitis de los artistas callejeros de Brooklyn, la vida real y desinhibida y la acción en los más diversos rincones del mundo: es la ruptura, lo encantadoramente imperfecto, la apariencia frecuentemente temporal lo que fascina a Manuela Karin Knaut, y que ella imbuye en su lenguaje pictórico y en la idea primaria de su Instalaciones puntuales y de gran formato.
Marú Quiñonero
ESPAÑOLA, N. 1979
Quiñonero trabaja con paletas de colores que ayudan a visualizar emociones. Cada color se atribuye a un sentimiento o estado de ánimo particular, como fuerza, locura, vulnerabilidad, pasión, lucha, patetismo, grandeza o riqueza. La plenitud del significado detrás de los colores en capas con el vacío del fondo crea una conversación entre los elementos contrastantes. La textura suave y seca del lienzo es un soporte limpio y vasto que acoge las formas y colores que surgen de la mente del artista. A través de su investigación sobre la paleta y la emoción con la que se combina, Quiñonero ha creado su trabajo más personal hasta el momento.
Brigitta Both
HÚNGARA, N. 1978
Brigitta Both es una artista visual afincada en Barcelona que trabaja en varios medios diferentes. Además de la pintura, crea collages, fotografía y videoarte. En 2021 le diagnosticaron cáncer de ovario.
Tras superar con éxito su enfermedad continuó trabajando en su estudio de Barcelona. Interesada e inspirada en la psicología, sus obras abordan experiencias de vida extremas, las complejidades de la identidad y las conexiones entre los seres humanos.
Se mudó a Oxford, Reino Unido desde Budapest, Hungría en 2007 y desde 2015 vive y trabaja en Barcelona, España. En 2017 recibió el premio “BBVA de Pintura Ricard Camí”.
“Sus obras son piezas profundas con un poderoso componente psicológico que fusionan los mundos figurativo y abstracto” – Fundación Antigues Caixes Catalanes.
Noemi Carpu
ESPAÑOLA
Noemí Carpu, una artista española visionaria, que se ha establecido en la vibrante ciudad de Río de Janeiro, donde fusiona la esencia del Mediterráneo con la vitalidad de Brasil en su estilo artístico único. El arte de Carpu explora las complejidades de la feminidad y desafía los roles y definiciones tradicionales de género. Ella cuestiona si ser mujer está universalmente definido o moldeado por la diversidad cultural, instándonos a reconsiderar las expectativas sociales. A través de su arte, Carpu pretende liberar a las mujeres de definiciones externas y fomentar la autoafirmación y la identidad personal. También desafía las normas de género y aboga por la inclusión y el diálogo sobre identidades de género diversas, reconociendo a las mujeres transgénero como mujeres. Un aspecto clave de su arte es la conexión con la Madre Tierra, simbolizando la feminidad, utilizando materiales naturales para representar sensibilidad e identidad. Al utilizar materiales naturales, Carpu añade autenticidad, riqueza sensorial y una sensación de calma y belleza a sus obras de arte. Su enfoque prioriza la sencillez y la elegancia, enfatizando la esencia pura y romántica de los materiales.
Stefan Heyne
ALEMÁN, N. 1970
Heyne practica un nuevo enfoque de la abstracción fotográfica en Alemania. Con sus obras, habitualmente de gran formato, Heyne se aleja de las convenciones fotográficas tradicionales. No existe ni un objeto interpretable ni un contorno en el que se pueda fijar lo enfocado o lo desenfocado. En la medida en que estos parámetros no se conviertan en el tema de la imagen, los motivos evaden nuestras rutinas de percepción. Las obras de Heyne juegan con el aspecto desconcertante de lo aparente y de esta manera exploran las condiciones en las que se percibe la fotografía.[2] Por lo tanto, también pueden verse como una poderosa contribución a la discusión actual sobre el concepto filosófico de un nuevo realismo.
Antonio Ballester Moreno
ESPAÑOL, N. 1977
Antonio Ballester Moreno se basa en una abstracción que forja símbolos a partir de formas geométricas básicas. Lunas, soles, lluvia y estrellas se utilizan para representar un ciclo vital con líneas y trazos que recuerdan a los primeros artistas de vanguardia como Paul Klee, Joan Miró y Josef Albers.
Giordan Rubio
FRANCÉS, N. 1998
La práctica de Giordan Rubio es explorar los vínculos de influencia y temporalidad en la evolución del sueño en función del otro, las instituciones y los medios. Lo que él llama sueño es una metáfora que representa la inocencia infantil y que encarna perspectivas idealistas y de libre elección.
En su trabajo, crea formas que se oponen o se suman entre sí con la ayuda de repeticiones, combinaciones de colores o materiales con propiedades físicas opuestas para resaltar la causalidad de factores externos sobre las libertades. Transcribe su propia experiencia de fractura social ligada a sus estudios de medicina, donde la realización parecía inaccesible. Rubio traduce la información absorbida de su consumo diario de conversaciones, lemas publicitarios, libros y su propio diario en composiciones gráficas y pictóricas.
Anna Sophia Rydgren
SUECA
Anna Sophia Rydgren es una artista visual minimalista que tiene un estudio cerca de Estocolmo llamado Ary Art. Su amor por el dibujo y la pintura comenzó a una edad muy temprana, ya que creció en un hogar donde su creatividad se potenciaba pintando, usando arcilla o modificando textiles. Fue influenciada por su abuela, que hacía óleos y collages con tela, y por el diseño minimalista escandinavo, para crear su propia expresión artística.
Su inspiración proviene de la naturaleza, como cuerpos, rostros o formas orgánicas, que transmite en sus obras, realizando estructuras sencillas, con paletas de colores monocromáticas y tonos pastel. A menudo sus obras son el resultado de un fluir intuitivo de emociones, que pretenden dar al espectador una sensación de calma y armonía.
François Bonnel
FRANCÉS, N. 1968
En 2018, el artista decidió dedicarse a tiempo completo a su pasión por la pintura y la fotografía. François Bonnel explora diversos campos y técnicas del arte. Explota los medios digitales, la fotografía y las técnicas del collage, liberándose de referentes conocidos para dar rienda suelta a su creación. Solo frente al lienzo, el artista define los límites y el mensaje a transmitir
Maria De Haan
ESPAÑOLA
La ceramista londinense María De Haan, es mitad española y mitad inglesa. Se crió en el Reino Unido y se mudó al pueblo montañoso de Deià en Mallorca en 2015. Después de descubrir su amor por la arcilla en Londres en 2005, siguió su pasión y rápidamente siguió con un diploma de cerámica en Londres, aprendizajes y clases con un alfarero de renombre. Simon Leach, y también una residencia de 2 años con Mike Goddard en la pequeña isla de Bequia en las Indias Occidentales. Con creciente éxito y confianza, María regresó para montar su propio estudio en Mallorca.
Su obra ha estado fuertemente influenciada por sus viajes, principalmente por la estética japonesa del “wabi-sabi”, que se basa en la asimetría, la irregularidad, la sencillez y la modestia. También encuentra inspiración en la naturaleza, como las texturas de las rocas y el mar.
Ana Monsó
ESPAÑOLA, N. 1998
Ana estudió Arte y Diseño en Cambridge y poco después Diseño de Moda en la Universidad de las Artes de Londres, pero es en gran parte autodidacta. En 2021 tuvo su primera exposición individual en Pigment Gallery, que la presentó para el Art Nou como una artista emergente. Durante ese año y el siguiente sus obras han sido expuestas en varias ferias de arte en Europa. En julio de 2022 presentó su segunda exposición individual ‘Una Oda a la Infancia’ de la mano de Pigment Gallery, LabArt Studio y Art Nou.
Actualmente es una de las artistas residentes de Piramidón Arte Contemporáneo.
A pesar de la clara juventud de Ana Monsó, Ana se define como una artista multidisciplinar emergente cuya práctica transmite un espíritu espontáneo y emotivo, inspirándose en sus recuerdos de infancia.
Christopher Griffith
CANADIENSE
Christopher Griffith es un artista nacido en Canadá que anteriormente trabajó internacionalmente en el mundo de la fotografía durante 25 años. Griffith, que originalmente se había formado como bioquímico investigador, abandonó un programa de doctorado tres meses antes de finalizarlo en el University College de Londres para dedicarse a la fotografía de moda a finales de los años 1990 en Londres, París y Milán. Con los primeros encargos en las revistas Vogue Paris, Glamour y Arena, seguidos de campañas para Trussardi, Issey Miyake y una larga relación con Etro, Griffith parecía destinado a trabajar únicamente en la industria de la moda.
Después de 10 años en el extranjero, se mudó a la ciudad de Nueva York y se embarcó en dos viajes por carretera Trans-American en vehículos recreativos que resultaron en sus primeros estados monográficos (Powerhouse Books, 2001). El libro cambió por completo la carrera de Griffith hacia campañas publicitarias comerciales en todo el mundo con clientes que incluían a British Airways, Delta Airlines, Mini, Acura, Maserati, Toyota, IBM y Verizon. Desde entonces, ha publicado otras tres monografías en otoño (2004) sobre follaje otoñal, soplado (2009) Un estudio abstracto sobre neumáticos reventados y brillo (2015) Un proyecto encargado por la revista Ny Times sobre las manos de un lustrabotas en la ciudad de Nueva York.
Max Cobalto
ESPAÑOL
Max Cobalto es un proyecto conceptual de un conocido artista español que ha creado un alter ego pictórico con voz, estilo e identidad propia. El proyecto tendrá una duración de 10 años, momento en el que se hará pública la identidad del artista, así como todas las implicaciones psicológicas y artísticas generadas por el trabajo dual creativo a lo largo de una década.
Sol Felpeto
VENEZUELA, N. 1990
Sol Felpeto pasó su infancia y adolescencia entre Buenos Aires y Madrid mientras vivía esporádicamente en otros países con su familia. En Argentina comenzó sus estudios en la escuela de medicina veterinaria pero después de tres años decidió seguir su carrera creativa y a los 21 años se mudó definitivamente a España y estudió Moda y Dirección Creativa en el Instituto Europeo de Diseño (IED). Esos cuatro años de estudios creativos la llevaron a desarrollarse como ilustradora y pintora dentro de un estilo propio una mezcla de arte, moda, humor y animales. Se graduó en junio de 2016 e inmediatamente participó en su primera exposición con otros artistas de la nueva generación.
Taron Marukyan
ARMENIO
Las obras de 2023 reflejan la actitud de Taron ante la vida y la pintura “menos es más”. En tiempos de sobrecarga de impresiones visuales, envía al espectador a un viaje de descubrimiento a través de la superficie del lienzo y las texturas estructuradas. Su espíritu inspirado en el Zen es tener un respeto infinito por todas las cosas del pasado; servicio infinito a todas las cosas presentes; responsabilidad infinita por todo lo futuro. A través de un enfoque minimalista y atemporal basado en un fuerte pensamiento conceptual, su objetivo es crear un impacto en el ámbito consciente. Un desafío de por vida para crear algo nuevo.
Owen Wiese
SUDAFRICANO
Owen J. Wiese es un médico con formación formal y ex presentador de televisión. Actualmente se encuentra cursando el camino de patología química. Comenzó a crear arte como respuesta a un conflicto interminable entre su carácter soñador y su pensamiento analítico.
Él dice: “Creo arte no por diversión, sino por el oxígeno que proporciona a un cerebro creativo hambriento. Si bien el arte es parte de nuestra fibra humana, a menudo ignoramos el hecho de que crear e interactuar con creaciones es vital para sobrevivir en un mundo en constante cambio. Tendemos a ignorar (o estamos inherentemente “entrenados” a ignorar) lo que está entretejido en nuestro ser. La creatividad y la expresión son lo que nos hace humanos. Ignorar el impulso de crear o expresar es lo que hacen las computadoras. Me niego a creer que eso es lo que buscamos en la vida: “crear” un mundo impulsado por algoritmos sin la sensación más profunda de una verdadera conexión”.
Evelyne Brader-Frank
SUIZA, N. 1970
Evelyne Brader-Frank se expresa a través de la esteatita, el bronce y el acero desde hace más de veinte años. Sus dinámicas figuras masculinas y femeninas son celebraciones de la forma y de las hermosas piedras de las que emergen. Fascinada por la mitología clásica, Brader-Frank titula sus esculturas con nombres de personalidades de los mitos griegos y romanos, buscando una coincidencia entre un personaje y sus sentimientos por la nueva escultura.
Carlos Tárdez
ESPAÑOL
Carlos Tardez es un artista español licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Trabaja tanto con escultura como con pintura, e introduce referencias mitológicas en sus obras, de modo que tienen dobles significados y metáforas, y en ocasiones ironías. Sus obras sobre lienzo son de estilo hiperrealista, con composiciones sencillas, en las que el fondo adquiere un significado conceptual, con una representación del espacio inspirada en la abstracción. Su arte puede catalogarse como figuración simbólica, en la que ha creado una iconografía propia, con símbolos y elementos a los que atribuye un significado único y personal. En muchas ocasiones, el título de sus obras sugiere alguna interpretación, aunque Tardez siempre intenta dejar la obra abierta a la comprensión subjetiva del espectador.
Moisés Yagües
ESPAÑON, N.1972
Moisés Yagües, autodidacta, trabaja como profesor de arte en Murcia mientras desarrolla sus propias actividades artísticas. Su obra de arte se ha exhibido en varias ciudades del mundo, incluidas Nuevo México, China, Alemania, Eslovenia, Barcelona y Madrid. Con numerosos elogios a su nombre, Yagües pretende retratar su reino imaginativo, sus pensamientos internos, sus narrativas concisas y sus peculiaridades que desafían los clichés comunes. La forma de la cabeza es recurrente en su simbolismo artístico, sirviendo como elemento estimulante que suscita numerosas ideas. La cabeza representa la morada de estos pequeños cuentos, repletos de rincones escondidos donde residen ideas, deseos y secretos. Las obras de arte de Yagües conllevan múltiples interpretaciones, y es el espectador quien imparte una perspectiva distinta que enriquece o disminuye el significado pretendido en función de su propia evaluación.
Jaime Monge
ESPAÑOL
Las pinturas del artista reflejan principios de diseño arquitectónico como la proporcionalidad, la estabilidad y la simplicidad, derivados de su experiencia como arquitecto. Estos elementos sirven como base para expresar sus ideas creativas.
Habiendo perfeccionado sus habilidades como arquitecto, el artista desarrolló un agudo sentido de comprensión de los sentimientos y deseos de las personas, no sólo dentro de los límites de los espacios físicos sino también en el contexto más amplio de las experiencias de la vida. Su trabajo se convierte en un medio para articular estas emociones, experiencias y recuerdos desde una perspectiva única.
A pesar de los fuertes fundamentos arquitectónicos, la visión 3D (axonométrica) del artista renuncia al dominio de la arquitectura, permitiendo a los individuos definir el paisaje por sí mismos, ofreciendo así una experiencia más personalizada e inmersiva.
