AUSGEWÄHLTE KÜNSTLER

Andy Warhol

AMERIKANER, 1928–1987

Bekannt für seine Berühmtheit, sein Factory Studio (ein radikaler sozialer und kreativer Schmelztiegel) und Avantgardefilme wie Chelsea Girls (1966), war Warhol auch ein Mentor für Künstler wie Keith Haring und JeanMichel Basquiat. Seine Pop-Sensibilität ist mittlerweile gängige Praxis und wird unter anderem von den großen zeitgenössischen Künstlern Richard Prince, Takashi Murakami und Jeff Koons aufgegriffen.

Jean-Michel Basquiat

AMERIKANER, 1960–1988

Jean-Michel Basquiat, ein Dichter, Musiker und Graffiti-Wunderkind im New York der späten 1970er Jahre, hatte seinen charakteristischen Malstil aus zwanghaftem Gekritzel, schwer fassbaren Symbolen und Diagrammen sowie Masken- und Totenkopfbildern verfeinert, als er 20 Jahre alt war. „I „Denke nicht an Kunst, während ich arbeite“, sagte er
sagte einmal. „Ich denke über das Leben nach.“ Basquiat bezog seine Themen aus seinem eigenen karibischen Erbe – sein Vater war Haitianer und seine Mutter puerto-ricanischer Abstammung – und einer Konvergenz afroamerikanischer, afrikanischer und aztekischer Kulturgeschichten mit klassischen Themen und zeitgenössischen Helden wie Sportlern und Musikern.

Damien Hirst

BRITISCH, geb. 1965

Damien Hirst erlangte erstmals 1988 in London öffentliche Aufmerksamkeit, als er „Freeze“ konzipierte und kuratierte, eine Ausstellung in einem stillgelegten Lagerhaus, die seine Arbeiten und die seiner Freunde und Kommilitonen am Goldsmiths College zeigte. Fast ein Vierteljahrhundert seitdem
Mit dieser entscheidenden Ausstellung (die die Young British Artists definieren sollte) ist Hirst zu einem der einflussreichsten Künstler seiner Generation geworden.

Alexander Calder

AMERIKANER, 1898–1976

Der amerikanische Künstler Alexander Calder veränderte den Kurs der modernen Kunst, indem er eine innovative Methode zum Formen, Biegen und Verdrehen von Draht entwickelte, um dreidimensionale „Zeichnungen im Raum“ zu erstellen. In Anlehnung an die Futuristen und Konstruktivisten sowie die Sprache der frühen gegenstandslosen Malerei bestehen Calders Mobiles (ein Begriff, den Marcel Duchamp 1931 zur Beschreibung seiner Arbeit prägte) aus abstrakten Formen aus industriellen Materialien – oft poetisch und anmutig geformt und bei mal kräftig gefärbt – die in einer unheimlichen, perfekten Balance hängen.

Keith Haring

AMERIKANER, 1958–1990

Keith Haring überbrückte die Kluft zwischen der Kunstwelt und der Straße und erlangte in den frühen 1980er Jahren mit seinen Graffiti-Zeichnungen in den U-Bahnen und auf den Gehwegen von New York City Berühmtheit. Durch die Kombination der Anziehungskraft von Cartoons mit der rohen Energie von Art-Brut-Künstlern wie Jean DuBuffet entwickelte Haring eine ausgeprägte Pop-Graffiti-Ästhetik, die sich auf fließende, kräftige Konturen und eine dichte, rhythmische Überlagerung von Bildern wie Babys, bellenden Hunden, fliegenden Untertassen, Herzen und Mickey Mouse. In seinen U-Bahn-Zeichnungen und Wandgemälden beschäftigte sich Haring mit Themen wie Ausbeutung, Unterwerfung, Drogenmissbrauch und der wachsenden Angst vor einem nuklearen Holocaust, der nach seiner AIDS-Diagnose immer apokalyptischer wurde. Neben Jean-Michel Basquiat, Kenny Scharf und Jenny Holzer gilt Haring als eine der führenden Figuren der New Yorker East Village Art-Szene der 1970er und 1980er Jahre.

Barbara Kruger

AMERIKANER, geb. 1945

Barbara Kruger ist vor allem dafür bekannt, aggressiv richtungsweisende Slogans über Schwarzweißfotos zu legen, die sie in Zeitschriften findet. Sie entwickelte eine Bildsprache, die stark von ihrer frühen Arbeit als Grafikdesignerin (bei Zeitschriften wie House and Garden, Mademoiselle und Aperture) beeinflusst wurde ). Zu ihren bekanntesten Werken zählen „I shop, also I am“ (1987) und „Your body is a Battleground“ (1985). Krugers vom Feminismus geprägtes Werk kritisiert Konsumismus und Begehren und ist auf Werbetafeln, Buskarten, Plakaten sowie in öffentlichen Parks, Bahnsteigen und anderen öffentlichen Räumen zu sehen. Sie hat auch ortsspezifische Installationen geschaffen, die aus Video, Film, Audio und Projektion bestehen.

Takashi Murakami

JAPANISCH, geb. 1962

Takashi Murakami – „der Warhol Japans“ – einer der renommiertesten Künstler der Nachkriegszeit in Asien – ist bekannt für seine zeitgenössische Pop-Synthese aus bildender Kunst und Populärkultur, insbesondere für die Verwendung eines kühn grafischen und farbenfrohen Anime- und Manga-Cartoon-Stils . Murakami wurde in den 1990er Jahren berühmt für seine „Superflat“-Theorie und für die Organisation der paradigmatischen Ausstellung mit diesem Titel, die die Ursprünge des zeitgenössischen Japanisch miteinander verknüpfte
visuelle Kultur bis hin zur historischen japanischen Kunst. Sein Schaffen umfasst Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Animationen und Kooperationen mit Marken wie Louis Vuitton. „Die Japaner akzeptieren, dass Kunst und Kommerz vermischt werden; und tatsächlich sind sie von der starren und prätentiösen westlichen Hierarchie der „hohen Kunst“ überrascht, sagt Murakami. „Im Westen ist es sicherlich gefährlich, beides zu vermischen, weil die Leute mit allen möglichen Steinen werfen. Aber das ist in Ordnung – ich bin mit meinem Schutzhelm bereit.“

David LaChapelle

AMERIKANER, geb. 1963

David LaChapelle wurde im Alter von 17 Jahren von Andy Warhol entdeckt und begann am Anfang seiner produktiven Karriere für das Interview Magazine zu arbeiten. LaChapelle wurde bald für seine hyperrealen, deutlich gesättigten Darstellungen der Promi-Kultur bekannt – Paris Hilton, Muhammad Ali, Britney Spears, Madonna und Tupac Shakur zählten zu seinen Motiven – und beschäftigte sich in seinen frühesten Arbeiten mit Themen wie Sterblichkeit und Transzendenz in der bildenden Kunst, Schwarz -und-weiß-Fotografie. Nach enormen Erfolgen in der kommerziellen Fotografie, in Musikvideos und beim Filmemachen ist LaChapelle zu den Galerieumgebungen zurückgekehrt, in denen er angefangen hat. Seine heutige Arbeit erforscht die metaphysischen Themen seiner frühesten Werke und bezieht sich dabei auf Kunstgeschichte und religiöse Ikonographie, um tiefgreifende Kommentare zur zeitgenössischen Welt zu liefern. „Ich bringe meine persönlichen Vorstellungen von Verklärung, der Wiedererlangung des Paradieses und der Vorstellung von einem Leben nach dem Tod wieder ein“, sagt der Künstler, der mittlerweile eine abgelegene Farm im hawaiianischen Dschungel sein Zuhause nennt.

Pablo Picasso

SPANISCH, 1881–1973

Als produktiver und unermüdlicher Erneuerer von Kunstformen prägte Pablo Picasso den Verlauf der Kunst des 20. Jahrhunderts mit beispiellosem Ausmaß. Inspiriert von der afrikanischen und iberischen Kunst und den Entwicklungen in der ihn umgebenden Welt trug Picasso maßgeblich zu einer Reihe künstlerischer Strömungen bei, insbesondere zum Kubismus, Surrealismus, Neoklassizismus und Expressionismus. Zusammen mit Georges Braque ist Picasso vor allem als Pionier des Kubismus bekannt, der versuchte, den dreidimensionalen Raum mit der zweidimensionalen Bildebene in Einklang zu bringen Es?" Als Reaktion auf den Spanischen Bürgerkrieg malte er sein berühmtestes Werk, Guernica (1937), dessen gewalttätige Bilder von gequälten Figuren in Grisaille es zu einem entscheidenden Werk der Antikriegskunst machten. „Malerei ist nicht dazu da, Wohnungen zu schmücken“, sagte er. „Es ist eine Angriffs- und Verteidigungswaffe gegen den Feind.“ Picassos umfangreiches Oeuvre umfasst über 20.000 Gemälde, Drucke, Zeichnungen, Skulpturen, Keramiken, Theaterkulissen und Kostümentwürfe.

Banksy

BRITISCH

Ob er Städte mit seiner typischen Fallschirmratte verputzt, imaginäre Öffnungen in der Westjordanland-Barriere in Israel malt oder „Wir sind gelangweilt von Fischen“ über das Gehege eines Pinguin-Zoos schabloniert – Banksy kreiert Straßenkunst mit respektlosem Witz und internationalem Ruf geht seiner anonymen Identität voraus. „Das Fernsehen hat den Theaterbesuch sinnlos erscheinen lassen, die Fotografie hat die Malerei so gut wie zerstört“, sagt er, „aber Graffiti sind vom Fortschritt herrlich unberührt geblieben.“ Banksy erlangte seine Berühmtheit durch eine Reihe städtischer Interventionen, von der Änderung von Straßenschildern und dem Druck seiner eigenen Währung bis hin zur illegalen Aufhängung seiner eigenen Werke in Institutionen wie dem Louvre und dem Museum of Modern Art. Meistens mit Sprühfarbe und Schablonen hat Banksy einen charakteristischen, sofort erkennbaren Grafikstil geschaffen – und eine wiederkehrende Besetzung aus Polizisten, Soldaten, Kindern und Prominenten –, mit denen er zeitgenössische Themen wie Konsumismus, politische Autorität, Terrorismus usw. kritisch untersucht Stand der Kunst und ihrer Darstellung.

Richard Prince

AMERIKANER, geb. 1949

Obwohl das Zitat „Gute Künstler leihen sich, große Künstler stehlen“ traditionell Pablo Picasso zugeschrieben wird, könnte es sich durchaus um das Motto von Richard Prince handeln. Prince durchforstet Massenmedienbilder, um Konzepte von Eigentum und Urheberschaft neu zu definieren, eine Praxis, die er sich während seiner Arbeit in der Tearsheets-Abteilung von Time-Life ausgedacht hat. In seiner „Cowboys“-Serie beispielsweise, die Anfang der 1980er Jahre begann, fotografierte er Marlboro-Anzeigen neu und schnitt Text aus, um Nahaufnahmen mythischer Cowboy-Figuren zu erzeugen. Seine „Nurse“-Werke, die erstmals 2003 ausgestellt wurden, entstanden, indem er die Einbände von Taschenbüchern einscannte, sie auf Leinwand übertrug und die Drucke übermalte. Als begeisterter Sammler amerikanischer Subkulturen hat Prince sein Augenmerk auch auf Biker-Girls, Borscht Belt-Witze und Willem de Kooning-Leinwände gerichtet. „Ich sehe jetzt keinen Unterschied zwischen dem, was ich sammle und dem, was ich mache“, sagt er. „Es ist dasselbe geworden.“

Andreas Gursky

DEUTSCH, geb. 1955

In seinen prächtigen großformatigen Fotografien fängt Andreas Gursky die moderne Welt und ihre Landschaften, Menschen, Architektur und Industrien in verführerischen Details ein. Aus einer erhöhten Perspektive aufgenommen und in epischem Maßstab produziert, zeigen Gurskys Bilder das Einzelne oder Granulare – Supermarktprodukte, Fußballspieler, Fenster eines Gebäudes oder Inseln im Meer –, das von der Masse oder der Umwelt unterworfen wird. Gursky lässt sich von seiner Ausbildung bei Bernd und Hilla Becher inspirieren und komponiert seine weitläufigen Ansichten rigoros, um den Betrachter mit schwindelerregenden Maßstäben, Details und Farben zu umhüllen – Effekte, die er oft durch digitale Manipulation verstärkt. „Am Ende habe ich beschlossen, die Bilder zu digitalisieren und Elemente wegzulassen, die mich störten“, sagte er über seine „Rhein“-Fotografien (1999), von denen eine Ende 2011 den Rekord für den höchsten Preis aufstellte, der jemals für eine Fotografie gezahlt wurde Versteigerung. Gursky lässt sich gut mit anderen Mitgliedern der Düsseldorfer Schule vergleichen, insbesondere mit Thomas Struth, Axel Hütte und Candida Höfer.

Yayoi Kusama

JAPANISCH, geb. 1929

Die avantgardistische japanische Künstlerin Yayoi Kusama war eine einflussreiche Figur in der New Yorker Kunstszene der Nachkriegszeit. Sie inszenierte provokante Happenings und stellte Werke wie ihre „Infinity Nets“ aus, halluzinatorische Gemälde aus Schleifen und Punkten (und physische Darstellungen der Idee der Unendlichkeit). Narcissus Garden, eine Installation aus Hunderten von verspiegelten Kugeln, erlangte auf der Biennale von Venedig 1966 Berühmtheit, als Kusama versuchte, die einzelnen Kugeln an Passanten zu verkaufen. Kusama zählte Donald Judd und Eva Hesse zu ihren engen Freunden und wird oft als Einfluss auf Andy Warhol und als Vorläufer der Pop-Art angesehen. Seit ihrer Rückkehr nach Japan in den 1970er Jahren sprechen Kusamas Arbeiten weiterhin die Fantasie und die Sinne an, darunter schwindelerregende begehbare Installationen, öffentliche Skulpturen und die „Dots Obsessions“-Gemälde.

Christopher Wool

AMERIKANER, geb. 1955

Christopher Wool machte sich in den frühen 1980er Jahren in der New Yorker Kunstszene einen Namen und ist vor allem für seine Wortgemälde bekannt, weiße Aluminiumtafeln mit schwarzen Schablonenbuchstaben, die Texte wie „Verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder“ (in sein 1998 erschienenes Werk Apocalypse Now). In einer anderen Gruppe früher Gemälde verwendete Wool handelsübliche Walzen, um dekorative Effekte auf Aluminiumplatten aufzutragen, und er erforschte weiterhin Muster in seiner Kunst. Unter Einbeziehung von Medien und Techniken wie Fotografie, Siebdruck, Reproduktion, Übermalung und Radierung kombiniert Wool in seinen Arbeiten häufig menschliche und maschinelle Spuren, wie in seinen Gemälden, in denen er mit einer Spritzpistole gezeichnete schwarze Linien in graue Felder verwischt.

Tracey Emin

BRITISCH, geb. 1963

Als prominentes Mitglied der Young British Artists (YBAs) arbeitet Emin in einer Vielzahl von Medien, darunter Film, Malerei, Neon, Stickerei, Zeichnung, Installation und Skulptur. Ihre Arbeit ist äußerst persönlich und enthüllt intime Details ihres Lebens mit brutaler Ehrlichkeit und poetischem Humor. Sie hat über „den Narzissmus hinter dem, was ich tue – das Selbst, das Selbst, das Selbst – gesprochen und wie schwierig es für mich ist, Dinge wirklich zu teilen, obwohl ich denke, dass ich die ganze Zeit teile.“ Dieser paradoxe Ansatz – gleichzeitig kühn und konfessionell, narzisstisch und selbstironisch – brachte Emin 1999 eine Nominierung für den Turner-Preis ein. Obwohl sie nicht gewann, erhielt Emin große Anerkennung für ihre Installation mit dem Titel „My Bed“, in der das ungemachte Bett der Künstlerin umgeben von einem Bett umgeben war persönliche Gegenstände (von Hausschuhen bis hin zu leeren Schnapsflaschen, Zigarettenkippen und Kondomen) und erforschen die allegorischen Qualitäten eines Bettes als Ort der Geburt, des Sex und des Todes.

George Condo

AMERIKANER, geb. 1957

George Condos Werk besteht aus einer Reihe von Charakteren, deren große Augen, bauchige Wangen, wuchernde Gliedmaßen und abscheuliche Über- und Unterbisse sie als einzigartige Spezies auszeichnen. In Anlehnung an die unterschiedlichsten Malpraktiken – wie Pablo Picasso, Diego Velázquez, Henri Matisse und Cy Twombly – greift Condo auf ein breites Spektrum kunsthistorischer Quellen zurück und schafft gleichzeitig eine für ihn typische Bildsprache
untersucht das Makabre, das Karnevalistische und das Abjektive. Er nennt seinen surrealistischen Stil „psychologischen Kubismus“ und nutzt „unsere eigenen Unvollkommenheiten – die privaten, unvorhersehbaren Momente oder unsichtbaren Aspekte der Menschheit – aus, die oft einigen der schönsten Momente der Malerei Platz machen.“ Selbst Condos abstrakteste Werke, wie „Internal Space“ (2005) mit seinem undurchdringlichen geometrischen Gerüst aus Formen, die vom Zentrum des Gemäldes ausgehen, erforschen die äußersten Extreme der menschlichen Psyche.

Roy Lichtenstein

AMERIKANER, 1923–1997

Als der amerikanische Pop-Künstler Roy Lichtenstein 1961 „Look Mickey“ malte, gab es den Ton für seine Karriere an. Dieses Porträt der Cartoon-Maus in Primärfarben stellte Lichtensteins distanzierten und ausdruckslosen Stil zu einer Zeit vor, als der introspektive Abstrakte Expressionismus vorherrschte. Lichtenstein nutzte Material aus Werbung, Comics und dem Alltag und brachte das, was damals ein großes Tabu war – kommerzielle Kunst – in die Galerie. Er betonte die Künstlichkeit seiner Bilder, indem er sie so malte, als kämen sie aus einer kommerziellen Druckmaschine, wobei die flachen, einfarbigen Ben-Day-Punkte der Zeitung sorgfältig von Hand mit Farbe und Schablonen wiedergegeben wurden. Später in seiner Karriere erweiterte Lichtenstein sein Quellenmaterial auf die Kunstgeschichte, darunter das Werk von Claude Monet und Pablo Picasso, und experimentierte mit dreidimensionalen Werken. Lichtensteins Verwendung angeeigneter Bilder hat Künstler wie Richard Prince, Jeff Koons und Raymond Pettibon beeinflusst.

KAWS

AMERIKANER, geb. 1974

KAWS ist ein vielseitiger Künstler, der in seinem umfangreichen Werk, das von Gemälden, Wandgemälden und großformatigen Skulpturen bis hin zu Produktdesign und Spielzeugherstellung reicht, die Welten von Kunst und Design verbindet. Sein ikonischer „XX“-Schriftzug hat seinen Ursprung in den Anfängen seiner Karriere als Straßenkünstler in den 1990er Jahren, als er begann, gefundene Werbeanzeigen zu verändern, indem er seine eigenen meisterhaften Gemälde einbaute. KAWS erinnert an die Sensibilität von Pop-Künstlern wie Andy Warhol und Claes Oldenburg und verfügt über einen raffinierten Humor und ein durchdachtes Zusammenspiel mit Konsumgütern und Kooperationen mit globalen Marken. Er lässt sich oft von Animationen aus der Popkultur inspirieren und eignet sich diese an, um ein einzigartiges künstlerisches Vokabular und eine einflussreiche Besetzung aus hybriden Comic- und menschlichen Charakteren zu schaffen.

Gerhard Richter

DEUTSCH, geb. 1932

Gerhard Richter ist bekannt für eine produktive und stilistisch vielfältige Auseinandersetzung mit dem Medium Malerei, wobei er häufig die visuellen Effekte der Fotografie einbezieht und erforscht. „Ich mag alles, was keinen Stil hat: Wörterbücher, Fotografien, die Natur, mich selbst und meine Bilder“, sagt er. „Weil Stil gewalttätig ist und ich nicht gewalttätig bin.“ In den frühen 1960er Jahren begann Richter, großformatige fotorealistische Kopien von Schwarzweißfotografien in verschiedenen Grautönen anzufertigen und entwickelte einen Unschärfeeffekt (manchmal auch als „fotografischer Impressionismus“ bezeichnet), bei dem Teile seiner Kompositionen verwischt oder verwischt erscheinen abgemildert – paradoxerweise reproduziert er fotografische Effekte und offenbart seine malerische Handschrift. Mit stark strukturierten abstrakten grauen Monochromen führte Richter die Abstraktion in seine Praxis ein, und er bewegte sich weiterhin frei zwischen Figuration und Abstraktion und schuf geometrische „Farbtafeln“, kühne, gestische Abstraktionen und „Fotogemälde“ von Akten über Blumen bis hin zu Blumen. und Autos bis hin zu Landschaften, Architektur und Szenen aus der NS-Geschichte. Richter nahm eine Reihe von Einflüssen auf, von Caspar David Friedrich und Roy Lichtenstein bis hin zu Art Informel und Fluxus.

Manolo Ballesteros

SPANISCH, geb. 1965

Die durch subtile Pinselstriche ausgeführten Linien von Manolo Ballesteros erzeugen geometrische Formen, die nach und nach die Leinwand einnehmen und kapriziöse Formen entstehen lassen. Manchmal sind diese geometrischen Kompositionen das Ergebnis der Kombination von Farbebenen. Der Einsatz von Farbe mildert die Kälte, die diese Kompositionen standardmäßig zu besitzen scheinen. Seine Kunst ist intuitiv, spontan und ohne implizite Botschaft, wobei seine Kreation für sich selbst spricht. In den letzten Jahren experimentierte er in seiner Arbeit im Bereich der Abstraktion und spielte mit der geometrischen Komplexität durch die Gleichmäßigkeit der Pigmente und die Reduzierung der Profile. Als Ergebnis dieser Untersuchungen ist sein jüngstes Werk eine Widerspiegelung der Konvergenz runder Formen auf einem monochromatischen Hintergrund, bei der der Betrachter in eine energiegeladene und dynamische Kunst eintaucht.

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